María Salgado, Vera Mantero, Sam Green o Fermín Jimenez Landa serán algunos de los nombres dentro de la sección DOKBIZIA del festival navarro Punto de Vista

DOKBIZIA trae a Punto de Vista formas de pensar lo real desde el arte, la performance, el teatro o la poesía, con intervenciones de artistas, cineastas y teóricos como Lois Patiño, C.W. Winter, María Salgado, Fermín Jiménez Landa, Vera Mantero, Oier Etxeberria, María Salgado, Xabier Erkizia y Sam Green.

En 2018 nació DOKBIZIA, un encuentro interdisciplinar que pretende provocar un cruce entre lenguajes y artistas que trabajan en torno a lo real. Este programa, que atiende al documental dentro y fuera de la pantalla, plantea un itinerario de diversos formatos: proyecciones, conferencias performativas, acciones, piezas escénicas y performances.

En esta edición el festival se podrá disfrutar del cine en todas sus formas. Desde una pieza sonora nacida del filme The Works and Days dirigido por C.W. Winter y Anders Edström, hasta un paseo entre dos esculturas de Jorge Oteiza guiada por Fermín Jimenez Landa o una performance creada a partir de la lectura de un poema (María Salgado), entre otras.

Las actividades de DOKBIZIA tendrán lugar en Baluarte, en el Teatro Gayarre, en el Planetario de Pamplona y en un recorrido entre la Ciudadela de Pamplona y Alzuza, donde se encuentra el Museo Oteiza.

“El sol estalló detrás de sus párpados cerrados” Mishima.

Los artistas Lois Patiño y Xabier Erkizia colaboran actualmente en varios proyectos en los que exploran las posibilidades expresivas del sonido y la imagen más allá de las convenciones del cine. De esta forma el espacio del Planetario se presenta como una oportunidad perfecta para traspasar esos límites. En la sesión podremos asistir a diferentes pruebas que están realizando para dos proyectos: Samsara, que trabaja en torno a la idea del ciclo de muerte y renacimiento budista; y El sembrador de estrellas, que propone una experiencia contemplativa de la ciudad nocturna de Tokio.

Lois Patiño es un conocido cineasta gallego cuyas obras y videoinstalaciones se han expuesto en centro de arte internacionales, y sus películas en festivales de cine como Berlín, Locarno, Rotterdam, Nueva York, BAFICI y Oberhausen, entre otros.

La principal característica del músico, productor y artista sonoro Xabier Erkizia es la investigación y la curiosidad en cualquier forma de comunicación o creación que implica la escucha y lo sonoro. Ha colaborado (en estudio y en directo) con artistas de diferentes disciplinas como Mattin, Eddie Prevost, Ilios, Alan Courtis, o Iñigo Telletxea, entre otros.

n escritor aficionado, llamado también Oier Etxeberria, escribe un guión cinematográfico para el post-jesuita Padre Laburu. Una película que transcurre en un futuro-pasado en el que la Basílica de Loyola y buena parte del mundo han sido subsumidos por el Adicionador de Voluntades, un artilugio que Laburu diseñó para El Pedigree, un teatro de ciencia ficción de su amigo Ricardo Baroja. Sin desvelar la trama ni el final del filme, esta presentación servirá para entender mejor el funcionamiento de esta máquina óptica conocida por su capacidad de proyectar modelos antropológicos (seres vivos) y no meras representaciones.

Artista y músico, entre sus exposiciones recientes se encuentran Visita y anatomía de la cabeza del Padre Laburu (San Telmo. Donostia) o Ambras (LLS Paleis. Amberes). Oier Etxeberria ha sido miembro del grupo de música Akauzazte, y del proyecto AmatauTV. Fue responsable de exposiciones en la Fundación Cristina Enea donde comisarió Las patatas y las cosas: Lurpeko istorioak o ¿Cuánta tierra necesita un hombre? Como músico ha editado trabajos como C14 o Locuela (música celestial).

La bailarina y coreógrafa Vera Mantero nos presenta este filme en el que recoge visualmente la desertificación de la sierra de Caldeirão, Portugal.

«Esta obra, creada para el festival Encontros do DeVIR, se desarrolló en torno al proceso de desertificación/deshumanización de la sierra de Caldeirão, en el interior de Algarve, al sur de Portugal. He filmado en la montaña y también he incorporado imágenes mías en la obra, pero, sobre todo, he utilizado las películas de Michel Giacometti, especialmente las grabaciones de las canciones de trabajo. Con este “panorama general” de los montañeses de Caldeirão, me dirijo en esta obra a las diferentes personas que poseen un conocimiento que hemos perdido, un saber sobre el vínculo entre el cuerpo y el espíritu, entre la vida cotidiana y el arte. Un conocimiento que podemos (y debemos, por nuestro propio bien) rescatar. Mi danza del final, con mi precioso tronco de corcho, es mi tributo a este conocimiento». —Vera Mantero.

Vera Mantero estudió danza clásica con Anna Mascolo y bailó en el Ballet Gulbenkian entre 1984 y 1989. En 1987 comenzó a coreografiar y desde 1991 ha estado presentando su trabajo, tanto en solitario como en grupo, por Europa, Argentina, Uruguay, Brasil, Canadá, Singapur, Corea del Sur y Estados Unidos. Mantero participa regularmente en proyectos internacionales de improvisación junto con improvisadores y coreógrafos como Lisa Nelson, Mark Tompkins, Meg Stuart y Steve Paxton.

«Más allá (o más acá) de los estilos de lectura que cada época contiene y adhiere a los textos que en ella se leen; y más allá (o más acá) de las partituras que los propios poemas constituyen para la lectura en alto y en silencio, ¿qué diferencia hay entre decir un poema y decir un poema no? Siempre me pareció que la diferencia (la pausa, el tono) es muy frágil y que todas esas gradaciones que la poesía transita entre el habla y el recitado, y después, entre el recitado y el spoken word, son también la poesía. Con esta pieza quiero hacer la más sencilla de las performances de la lectura de un poema para desplegar los poemas de Salitre, un libro escrito en la lengua de contar los sueños». — María Salgado.

María Salgado es poeta, y trabaja con el lenguaje como material de textos, audiotextos y acciones. Ha publicado cinco libros de poesía (entre ellos, Ready, Hacía un ruido. Frases para un film político y Salitre). Desde el 2012 trabaja en la exploración del sonido en escena con el compositor Fran MM Cabeza de Vaca. Ha trabajado como investigadora independiente, escritora y docente para museos y centros culturales. Forma parte del grupo de investigación Seminario Euraca, un dispositivo de lectura, escritura y pensamiento colectivo, y edita la revista L/E/N/G/U/A/J/E/o.

Para DOKBIZIA Fermín Jiménez Landa ha preparado un recorrido por la ciudad de Pamplona y sus alrededores.

«Muy temprano, daremos un paseo de varias horas recorriendo el espacio generado entre Retrato de un gudari llamado Odiseo, en la Ciudadela, hasta la Fuente de Alzuza del escultor Jorge Oteiza. Una especie de acción colectiva que forma parte del proyecto El final de un vacío es el principio de otro, realizado para el Museo Oteiza. Me planteo el vacío oteiciano como materia de trabajo, pero no el que se genera entre los elementos de una escultura sino entre dos de sus esculturas. Esto me lleva a espacios poéticamente activos de cincuenta centímetros de largo pero también a esculturas imaginarias de siete mil kilómetros. Es una especie de principio de trabajo delirante que me conduce a relacionar el vacío con elementos más afines a mi trabajo como el caminar, la cartografía, la provocación de situaciones y lo narrativo, pensando en la raíz común de vacío con términos como vago, vacaciones y vagabundo». — Fermín Jiménez Landa

El final de un vacío es el principio de otro, realizado para el Museo Oteiza, forma parte del programa Hazitegia, desarrollado junto con el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte, y que cuenta con la colaboración de InnovaCultural, Fundación Caja Navarra y Fundación La Caixa.

Fermín Jiménez Landa realiza acciones, intervenciones públicas, video, instalaciones y dibujo. Trabaja en procesos de equivalencia, inversión e intercambio que nos hacen ver la realidad desde un punto equidistante entre lo absurdo y lo sensato, lo entrañable y lo iconoclasta, lo empírico y lo inverificable. Ha desarrollado proyectos en la bienal Manifesta 11; en los museos MAZ de Zapopan, Artium, MUSAC y CA2M; en Künstlerhaus Bethanien, en el Centro Botín, La Casa Encendida y en galerías como Moisés Pérez de Albéniz, Travesía Cuatro y Nogueras Blanchard.

En esta ocasión, se hará una sesión de escucha en el Planetario de una pieza sonora que forma parte del próximo LP de The Works and Days: The Black Sections, que surgió de la película The Works and Days (of Tayoko Shiojiri in the Shiotani Basin). La película es el segundo largometraje de C.W. Winter y Anders Edström, una ficción geográfica de ocho horas de duración rodada durante catorce meses en un pueblo de montaña de la prefectura de Kioto, en Japón. El álbum es un collage sonoro reeditado a partir del material de producción de la película que incluye extractos musicales de Tim Berne & Bill Frisell, Tony Conrad, Graham Lambkin, Mary Jane Leach, Alvin Lucier, Phill Niblock, Folke Rabe, Éliane Radigue y Akio Suzuki.

C.W. Winter ha dirigido dos largometrajes con Anders Edström: The Works and Days y The Anchorage. Sus escritos han aparecido en Cinema Scope, Moving Image Source, Purple y Too Much. Actualmente es profesor en el Departamento de Escultura del Royal College of Art. Vive en Oxford, Reino Unido.

En esta intervención de DOKBIZIA el cineasta Sam Green y el músico JD Samson piden al público presente que se alejen de las pantallas e intenten concretarse en el momento presente. 7 Sounds es un trabajo de audio y video inmersivo y transmitido en vivo que explora la influencia universal del sonido. La pieza entreteje siete grabaciones de audio específicas en una meditación sobre el poder del sonido para doblar el tiempo, cruzar fronteras y moldear profundamente nuestra percepción, abriendo nuevas formas de escuchar nuestro mundo cotidiano.

Sam Green es un cineasta especializado en documental con sede en Nueva York. Sus trabajos más recientes son A Thousand Thoughts (2018) una colaboración cinematográfica en vivo con el Kronos Quartet, The Measure of All Things (2014), The Love Song of R. Buckminster Fuller (2012) junto con la banda Yo La Tengo, y Utopia in Four Movements (2010). Su documental The Weather Underground fue nominado para el premio de la Academia e incluido en la Bienal de Whitney en el 2004.

Por su lado JD Samson es el líder de la banda MEN y un tercio del proyecto de performance y banda electrónica-feminista-punk, Le Tigre. Durante más de una década, JD Samson – artista, músico, productor y DJ – ha viajado por el mundo, ha producido canciones para artistas ganadores de premios Grammy, ha escrito para medios de comunicación como HuffPo y Talkhouse y ha colaborado en programas documentales. JD Samson es profesor de artes en el Clive Davis Institute of Recorded Music de la Universidad de Nueva York.